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Er war der ungekrönte Fotograf der amerikanischen Großstadt. Wie kein Zweiter hat es Andreas Feininger (1906-1999) verstanden, das pulsierende Leben und die gigantischen Architekturen der Metropolen in stimmungsvollen Schwarz-Weiß-Aufnahmen festzuhalten. Peter Adam hat den Pionier des Bildjournalismus deshalb 1983 in einem BBC-Interview zu den sechs besten Fotografen der Welt erklärt.
Auch wenn dies etwas übertrieben ist, so gebührt Feininger doch ein Platz im Olymp der "Lichtbildnerei". In thematisch aufbereiteten Kapiteln präsentiert Andreas Feininger nun Werke des Fotografen aus allen Schaffensperioden -- allen voran natürlich die bekannten Fotografien New Yorker Wolkenkratzer, die es mit den Arbeiten Harry Callahans aufnehmen können, und die ungeheuer spannungsgeladenen Bilder amerikanischer Bahnhöfe, in denen der Kontrast aus dem Silbergrau moderner Züge und dem im Nebel verschwimmenden Schwarz der Dampfloks nicht zuletzt den Kontrast zwischen alter und neuer Technik widerspiegelt. Überraschend sind dabei selbst für Feininger-Fans vor allem die strukturellen Nahaufnahmen von Pflanzenformen, die an die Arbeiten Karl Blossfelds erinnern.
Darüber hinaus sind auch frühe Bilder Feiningers versammelt, die das faszinierende Spiel von Licht und Schatten der späteren Jahre anhand des Motivs nächtlicher Hamburger Straßen in den 30er-Jahren vorbereiten. Daneben gibt es sehr private Fotos von hoher formaler Meisterschaft zu bewundern, die unter anderem den Malervater Lyonel Feininger beim Zuwasserlassen von Modellbooten im New Yorker Central Park zeigen. Derartige "Schnappschüsse" demonstrieren, wie sehr Feininger über einen fotografischen Blick verfügte, der nicht professionell aufgesetzt, sondern längst verinnerlicht war. Und sie machen den faszinierenden Bildband eines der besten Fotografen des 20. Jahrhunderts zudem zu einem auch privat gefärbten Buch. --Thomas Köster

The Master

5 von 5 Punkten
As a record of the work of Andreas Feininger this has to be the book to own. With just over two hundred photos I doubt there will be anything better published. The 320 pages show his work from 1930 to the mid-Eighties with, I thought, a really first-class selection of photos.

European work from the Thirties includes: architecture; figure studies and portraits, then from the Forties onwards, when he was in America, work for the Office of War Information and Life magazine assignments of the Californian oil industry (those famous Signal Hill oil derricks) and probably the best from Feininger's sixty-year love affair with Manhattan. In between the industry, transport and city work there are forty-two photos of nature, either close-ups of plants or desert and mountain landscapes.

I love Feininger's work and I have to say that this book is rather special. As a collector of photo books (nearly exclusively dealing with America) I would normally expect to see monographs as landscape with the images centered on the page with generous margin but here is something different. The book is upright with the size and thickness one would expect for a non-fiction title, the margins on each page are quite narrow, the paper is a super matt art just right for the 200+ screen duotones . The binding and printing is impeccable as one would expect from art publishers Hatze Cantz (they did the print as well).

It is one of those rare books that is a joy to hold, turn the pages and be overwhelmed by stunning photos. A masterpiece!

noch mit 93 die schreibmaschine auf dem schoß ...

5 von 5 Punkten
andreas feininger (27.12.1906-18.2.1999) hat eine ergreifende beharrlichkeit bei der konsequenten entwicklung seiner fast puristisch zu nennenden ästhetischen vorstellungen besessen. in seiner letzten publikation THAT'S PHOTOGRAPHY, zweisprachig vom hatje-cantz-verlag herausgegeben, kommt das sowohl im vorgestellten foto-material als auch in den beigefügten essays zum ausdruck. 1929 schloss andreas feininger sein architektur-studium erfolgreich ab, erhielt einen job in hamburg, hatte aber als jude im damaligen deutschland keine überlebens-chance [auch seine eltern, der vater der berühmte maler und bauhaus-professor lyonel feininger - sie wanderten in die USA aus]. nachdem der junge andreas f. mit leica und opel-rennwagen eine zeitlang fotografierend durch europa gestreift war, nahm er 1931 die arbeit beim architekten le corbusier in paris auf; weil der bald keine ausländer mehr beschäftigen durfte, wich feininger durch vermittlung seiner schwedischen freundin (und baldigen ehefrau) gertrud "wysse" hägg nach stockholm aus und widmete sich dort der architektur-fotografie (nachdem er eine technische vorrichtung zur korrektur von perspektivischen verzerrungen erfunden hatte). infolge der sich nähernden kriegerischen spannungen verbot die schwedische regierung alsbald ausländern den gebrauch von fotoapparaten und kraftfahrzeugen. feininger wanderte mit seiner frau 1939 in die USA aus. dort entstand die durch viele kalender-publikationen bekannte serie NEW YORK IN THE FORTIES; die skyline mit den vor anker gegangenen ozeanriesen, das winterliche NY nach einem schnee-sturm, die überfüllten straßen zur rush-hour - THAT'S PHOTOGRAPHY mit seinen über 300 seiten zeigt mehr: die stadtansichten vom damaligen CHICAGO (sehr ausführlich) oder san francisco - oder diejenigen eines hamburg vor der bombardierung - oder den freiheitsluft atmenden stockholmer hafen. man sieht technisch faszinierndes (einen startenden nacht-hubschrauber mit lichtmarkern an den rotor-enden) und sozial-ironisches: eine malklasse vor eine akt-aufgabe. man sieht monumentales (die betatakin-felswand in arizona) oder zerreibbares: durchscheinende libellen-flügel in nah-aufnahme - aber alles ist in wahrhaft zeitloser schönheit ins sucher-viereck gerückt. fotografie verstand feininger als einen versuch, gegen das hässliche vorzugehen. beeindruckend sein eigenes dem buch beigegebene statement, aber auch die einfühlsame schilderung durch thomas buchsteiner; der schreibt gegen schluss: "noch wenige tage vor seinem tod saß er zuhause im 16. stock des hochhauses in der 22. straße, ganz in der nähe des flat iron building ... und schrieb auf seiner schreibmaschine, der hermes baby, die ...immer auf seinen knien lag, mit einem handtuch darunter, damit die hose nicht so `shiny' werde..." dieses buch ist eine der bestmöglichen chancen, das leben eines beharrlichen menschen kennenzulernen, der noch mit 93 jahren intensivst von der freude an der vermittlung seiner seh-erlebnisse beseelt war.

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Als der US-amerikanische Künstler Julian Schnabel in den frühen 1980er-Jahren erstmals in den USA und in Europa seine großformatigen Bilder ausstellte, da galt die Malerei schon fast als tot. Dann kam Schnabel, und seine expressive Technik, die den riesigen Raum der Leinwand mit kühnem Strich durchmaß, wirkte wie ein Paukenschlag. Inzwischen steht die Malerei wieder gleichberechtigt neben den anderen Künsten. Und Schnabel steht noch immer an der Spitze ihrer Erneuerer.
Der Ausstellungskatalog der Schirn Kunsthalle Frankfurt Julian Schnabel. Malerei 1978-2003 versammelt die Gemälde Schnabels von den frühen figurativen Anfängen über die zurückhaltend farbigen Bildern der 80er-Jahre bis hin zu den breitstrichigen Arbeiten der 90er-Jahre sowie der Jahrtausendwende, die in ihre komplexe Zeichensprache auch die Schrift mit einbeziehen; wobei natürlich auch die berühmten "Scherbenporträts", die Collage-Elemente integrieren und die dargestellten Figuren "fragmentarisieren", Beachtung finden. Fotos dokumentieren den Arbeitsprozess Schnabels. Kluge Aufsätze unter anderem von Max Hollein, Robert Fleck oder Maria de Corral beleuchten die Wechselwirkung von Werk und Publikum, vergleichen die Arbeiten des Künstlers mit denen von William Gaddis oder weisen hin auf den Zusammenhang von "Malerei und Verführung".
Alles in allem also ist Julian Schnabel. Malerei 1978-2003 ein überaus gelungener, reich bebilderter Band, der zeigt, warum der New Yorker Künstler bis heute ganz zu Recht als einer der innovativsten und ausdrucksstärksten Maler der Gegenwartskunst zu gelten hat. --Isa Gerck

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"Schöner Schein pur" -- so präsentierte sich Modefotografie noch in den 50er-Jahren: edle Kleider getragen von makellosen Models, in luxuriöser Umgebung, perfekt ausgeleuchtet. Ganz anders die Modeaufnahmen in Chic Clicks, die zwischen 1990 und 2001 entstanden: Glen Luchford nahm für die Modezeitschrift Vogue Italia Mädchen bei einer Ballettprobe auf , Terry Richardson inszenierte leicht bekleidete Mädchen und Tiere für eine Werbekampagne von Sisley und Corinne Day fotografierte für das Magazin The Face 1990 die damals noch unbekannte 15-jährige Kate Moss am Strand.
Solch unkonventionelle Modeaufnahmen, die eher an künstlerische Fotografie erinnern, konnten sich seit Ende der 80er-Jahre zunehmend durchsetzen. Chic Clicks stellt 40 Fotografen vor, deren Arbeiten neue visuelle Maßstäbe in diesem Bereich setzten.
Besonderes Anliegen der Publikation ist es, die wechselseitige Beeinflussung von Kunst- und Modefotografie deutlich zu machen. Von jedem Fotografen werden in einem zweiten Abschnitt nichtkommerzielle künstlerische Arbeiten gezeigt, die einen Bezug zu den Modefotografien im ersten Teil aufweisen. So verdeutlichen beispielsweise Takashi Hommas Bilder von Vororten Tokyos die Rolle der Architektur in seinen Aufnahmen für die Werbekampagne von Louis Vuitton, und Corinne Days Aufnahmen im Stil des "dirty realism" von Freunden bei einer Party zeigen Parallelen zu ihren Aufnahmen von Kate Moss. Die Übergänge sind dabei häufig fließend: Was Kunstfotografie ist, könnte auch Modefotografie sein und umgekehrt.
Dieser Aspekt findet sich auch in der Anordnung der beiden Abschnitte wieder. Die beiden Bildteile mit insgesamt 309 Abbildungen sind gegenläufig zueinander angeordnet. Der Band hat infolgedessen zwei Anfänge -- kommerzielle und künstlerische Fotografie --, deren Inhalte im Mittelteil seitenverkehrt aufeinander treffen. Dieser besteht aus fünf Essays, die die vielgestaltige Wechselbeziehung zwischen Mode, Kunst und Fotografie beleuchten, sowie aus kurzen Texten zu den einzelnen Fotografen.
Chic Clicks ist sowohl inhaltlich als auch gestalterisch ein rundum gelungener Band, in dem es Spaß macht, die außergewöhnliche Bilderwelt der Modefotografie zwischen Kunst und Auftrag zu entdecken. --Britta Müller

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Sie steigen ein, laufen die eng geschwungene Treppe zur oberen Etage hinauf und setzen sich in eine der freien Sitzreihen. Die Fahrt mit dem für England typischen Doppeldeckerbus kann beginnen. Eine Odyssee im Bus verspricht der Titel des Bildbandes von Tom Wood. Die Reise führt aber nicht auf Irrwegen zu den Schauplätzen und Ereignissen aus Homers Epos, sondern in die Straßen und Vororte Liverpools.
Seit Beginn der 1980er-Jahre fotografiert der Künstler Tom Wood Situationen im öffentlichen Nahverkehr der westenglischen Industriestadt an der Mündung des Mersey. In der Tradition der Straßenfotografie zeigen seine Aufnahmen auf den Bus wartende Passanten, in der Dauer der Fahrt ausharrende "Passengers" oder beiläufig passierende Situationen auf dem Gehweg.
Dabei lassen sich seine Fotoaufnahmen in den dokumentarischen wie künstlerischen Kontext einordnen. Die Abbildungen präsentieren die Akteure der Großstadt, in der Menge isolierte Individuen ebenso wie in der Leere des Fahrgastraums verloren wirkende Menschen. Zwischen den offenen und neugierigen Gesichtern von Kindern und Jugendlichen und den vom Alltag zerfurchten Erscheinungen alter Menschen schildern die Bilder die tägliche Bus Odyssey auf dem Weg durch das urbane Dickicht.
Tom Woods Fotografien wirken aber nicht nur durch die starke Authentizität ihrer Abbildung, sondern auch in ihrer künstlerischen Bildsprache. Kreativ nutzt er die visuellen Bruchstücke der Stadt und des Moments, verwendet ausdrucksvolle Perspektiven sowie Spiegelungen und Unschärfen als Gestaltungselement.
1951 in Irland geboren, studierte Tom Wood zunächst Malerei, beschäftigte sich dann jedoch bald mit der Fotografie. Die Aufnahmen der Bus Odyssey entstanden in einem Zeitraum von 20 Jahren auf den Fahrten zwischen seiner Wohnung in New Brighton und Liverpool, wo er an der örtlichen Kunsthochschule unterrichtete. Einordnen lässt sich seine Arbeit zwischen den kunstvollen Beobachtungen eines Walker Evans und Beat Streulis.
Die 91 farbigen sowie schwarz-weißen Bildtafeln werden von einem kenntnisreichen Text der Kuratorin des Aachener Suermondt-Ludwig-Museums Sylvia Böhmer begleitet und machen Lust, den nächsten Bus per Handzeichen anzuhalten. --Stefan Meyer

Eine der schönsten Fotodokumentionen ever!

5 von 5 Punkten
Mit diesem Format ist Tom Wood ein einzigartig gefühlvolles Portrait der scheinbar belanglosen Randerscheinungen des Alltags in Liverpools Straßen gelungen. Über zwei Jahrzehnte lang sammelte er Material für diese Serie, die ursprünglich kein geplantes Projekt, sondern nur die Dokumentation des Weges eines Fotografen zur Arbeit war. Jeder kennt es: in einen Bus zu steigen bedeutet zu warten bis man am Ziel ist. Dabei schweifen die Gedanken ab und man blickt nach draußen auf die vorbei ziehende Stadtlandschaft, man unterhält sich angeregt und weiß danach nicht einmal wer einem gegenüber saß oder beobachtet heimlich die Menschen um einen, während Musik aus den Kopfhörern die dazu passende Untermalung gibt. Man versucht Distanz zu wahren und kommt doch nicht umhin das ein oder andere Gespräch zu belauschen. Das Alles bis hin zu den Begegnungen der Menschen miteinander und den Kritzeleien auf den Rückseiten der Sitze hat Tom Wood eindrucksvoll dokumentiert. Er hat immer wieder neue Blickwinkel gefunden und nahezu poetisch-melancholisch Ausschnitte aus dem Leben der Menschen in Liverpool festgehalten. Es sind sowohl Farb- als auch Schwarz-Weiß-Fotografien auf etwas über 100 Seiten zu erleben. Ein rundum gelungenes Bildband!

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Mit seinen vermeintlichen "Schnappschüssen" von Fußgängern im Großstadtverkehr ist es dem Fotografen Beat Streuli gelungen, dem Alltäglichsten und Flüchtigsten etwas Beständiges, Ewiges, ja sogar Museumswürdiges zu verleihen. Durch den geschickten Einsatz zurückgenommener Schärfentiefe, im Spiel mit Vorder- und Hintergründen hat er seine selbstversunkenen Protagonisten samt ihrer Walkmen, Plastiktüten und uniformen Designerklamotten aus der Anonymität der verschwommenen Masse herausgehoben und ihnen somit -- paradoxerweise als Voyeur -- eine schon verloren geglaubte Würde und Individualität zurückgegeben. Da bekommen selbst einfache Gesten wie der Griff in die Einkaufstasche, zum Handy oder in die Kartoffelchips-Tüte eines Gegenübers eine mit Bedeutung aufgeladene, teils geradezu grazile Präsenz.
Unter anderem in Sydney, Birmingham und Bangkok hat Streuli fotografiert, aber keine Stadtkulisse war derart prädestiniert für seine lichtbildnerische Kunst wie New York mit seinen Straßenschluchten, in denen das zwischen den Wolkenkratzern grell hindurchbrechende Sonnenlicht gemeinsam mit den harten Schlagschatten der Hochhaus-Architektur das Meer der Passanten besonders scharf konturiert. Die Aufnahmen des Bandes New York City 2000-02 gehören deshalb zum Besten, was Streuli bisher hervorgebracht hat. Vor allem in den merkwürdig entrückt wirkenden Schwarz-Weiß-Fotografien zeigt sich seine wahre Könnerschaft.
Besonders gut -- und immer noch neu zu entdecken -- ist Streuli dort, wo er die Großstadt mit klug erfassten Stillleben einfarbiger Lastwagenfronten oder subtil getürmter Müllarrangements selbst zum Helden seiner Fotos macht. Vor allem diese Aufnahmen machen den handsignierten und auf 2.000 Stück limitierten Band zu einem unbedingten Muss für Fotofans. --Thomas Köster